Paris en Roma. Chanel en Cinecittà
Maestros
El Poiret de Viena
Eduard Josef Wimmer-Wisgrill. Austrian Designer. Photography. 1929
Viena. 1900. Después de Paris la meca de la moda. La estética espartana nunca tuvo derecho de ciudadanía en una metrópolis que concedía al vestido un gusto chic e imaginativo. La creatividad de los artistas vieneses permitió al “vestido anti moda” enfrentarse a las necedades indumentarias de la época, aunque sin imponerse. No se abandonarían los objetivos de simplicidad y funcionalidad, sino que serían impuestos a la moda y despojados de sus ideales aburridos para ser transformados en algo decorativo y llevable.
Eduard Josef Wimmer-Wisgrill nació en Viena el 2 de abril de 1882. Director de vestuario del Cabaret Flendermaus y de Maskenspiele, se unió a la Wiener Werkstätte (Taller Vienes) en 1907 desempeñándose como primer director artístico del departamento de moda entre 1910 y 1922. También dirigió el departamento de moda en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena y trabajó en New York y Chicago.
Uno de los temas principales que identifican al Taller Vienes es su audacia en el diseño, en particular en lo que se refiere al diseño textil. El trabajo textil de Eduard Josef Wimmer-Wisgrill tanto para interiores y moda, usa motivos gráficos audaces, muy a menudo sobre la base de las flores. Por iniciativa de Paul Poiret, el gran renovador de la moda parisina y afín a la cultura vienesa, eliminó todas las fundas-corazas de los corsés, ofreciendo alternativas seductoras como el vestido imperio y creando tejidos con motivos multicolores y rebosantes de fantasía, dando origen a un nuevo tipo de mujer.
Eduard Josef Wimmer-Wisgrill (Austrian, Vienna 1882–1961 Vienna)
Fashion (Mode), 1912
Austrian,
Color lithograph; Sheet: 5 1/2 × 3 9/16 in. (14 × 9 cm)
The Metropolitan Museum of Art, New York, Museum Accession, transferred from the Library (WW.870)
http://www.metmuseum.org/Collections/search-the-collections/651011
Eduard Josef Wimmer-Wisgrill (Austrian, Vienna 1882–1961 Vienna)
Fashion (Mode), 1912
Austrian,
Color lithograph; Sheet: 5 1/2 × 3 9/16 in. (13.9 × 9 cm)
The Metropolitan Museum of Art, New York, Museum Accession, transferred from the Library (WW.862)
http://www.metmuseum.org/Collections/search-the-collections/650993
Eduard Josef Wimmer-Wisgrill (Austrian, Vienna 1882–1961 Vienna)
Fashion (Mode), 1912
Austrian,
Color lithograph; Sheet: 5 1/2 × 3 9/16 in. (14 × 9 cm)
The Metropolitan Museum of Art, New York, Museum Accession, transferred from the Library (WW.861)
http://www.metmuseum.org/Collections/search-the-collections/650992
Eduard Josef Wimmer-Wisgrill (Austrian, Vienna 1882–1961 Vienna)
Fashion (Mode), 1912
Austrian,
Color lithograph; Sheet: 5 1/2 × 3 9/16 in. (13.9 × 9 cm)
The Metropolitan Museum of Art, New York, Museum Accession, transferred from the Library (WW.867)
http://www.metmuseum.org/Collections/search-the-collections/651006
Eduard Josef Wimmer-Wisgrill (Austrian, Vienna 1882–1961 Vienna)
Fashion (Mode), 1912
Austrian,
Color lithograph; Sheet: 5 1/2 × 3 9/16 in. (14 × 9 cm)
The Metropolitan Museum of Art, New York, Museum Accession, transferred from the Library (WW.868)
http://www.metmuseum.org/Collections/search-the-collections/651008
Eduard Josef Wimmer-Wisgrill (Austrian, Vienna 1882–1961 Vienna)
Fashion (Mode), 1912
Austrian,
Color lithograph; Sheet: 5 1/2 × 3 9/16 in. (14 × 9 cm)
The Metropolitan Museum of Art, New York, Museum Accession, transferred from the Library (WW.869)
http://www.metmuseum.org/Collections/search-the-collections/651009
Eduard Josef Wimmer-Wisgrill (Austrian, Vienna 1882–1961 Vienna)
Fashion (Mode), 1912
Austrian,
Color lithograph; Sheet: 5 1/2 × 3 1/2 in. (14 × 8.9 cm)
The Metropolitan Museum of Art, New York, Museum Accession, transferred from the Library (WW.864)
http://www.metmuseum.org/Collections/search-the-collections/651005
Eduard Josef Wimmer-Wisgrill (Austrian, Vienna 1882–1961 Vienna)
Fashion (Mode), 1912
Austrian,
Color lithograph; Sheet: 5 1/2 × 3 9/16 in. (13.9 × 9 cm)
The Metropolitan Museum of Art, New York, Museum Accession, transferred from the Library (WW.863)
http://www.metmuseum.org/Collections/search-the-collections/651003
Balenciaga
«Dior diseña, y Fath y Balmain hacen lo propio, pero Balenciaga hace sastrería. Se dice que pasa días con un mismo vestido, lo desmonta por completo, vuelve a cortar y hace arreglos hasta quedar satisfecho»
Anny Latour
Maestros: Boldini. Larguiruchas señoras de la alta sociedad
Giovanni Boldini
Ferrara, 31 de diciembre de 1842 – París, 11 de enero de 1931
Giovanni Boldini
Por más que su trabajo se haya vuelto superficial y mercantilista, Boldini siempre fue capaz de trasmitir al espectador la alegría que le inspiraban las absurdidades que retrataba. Hasta el más insoportable de sus retratos revela una inmensa diversiòn.
Cecil Beaton, El espejo de la moda, 1955
Era un artista ultra «chic», en su forma muy particular, especialmente cuando retrataba larguiruchas señoras de la alta sociedad internacional que aparecen pintadas como debajo de un vidrio traslúcido. Experto de ese modo y de la literatura francesa que lo ha representado, interpretaba muy bien a la más alta elegancia femenina en esa época en que estaban incluso demasiado revestidas por los artífices de los sastres y de las modistas, figurativamente plasmadas en poses ambiguas situadas entre las de los salones y del teatro. Pero esos retratos tienen un fuerte poder de encanto: revelan espontáneas y seguras cualidades de pintor…
Berenson, 1958
Maestros: Halston
La superestrella internacional de la moda Roy Halston Frowick, nació en Des Moines, Iowa el 23 de abril de 1932. Desarrolló el interés por coser de su madre y como adolescente empezó a crear sombreros y embellecer atuendos para su madre y su hermana. Después de que la familia se mudara a Chicago en 1952, tomó un curso nocturno en el Instituto de Arte de Chicago, y trabajó como decorador de vidrieras.
Con la ayuda del estilista de las celebridades André Basil, Halston continuó desarrollando su carrera mudándose a Nueva York a finales de 1957. Basil le presentó a la modista de sombreros Lilly Daché y en un año había sido nombrado codiseñador en Daché y se había convertido en el nuevo mejor amigo de varios editores de moda. Dejó el estudio de Daché para convertirse en modisto principal de sombreros para la tienda departamental Bergdorf Goodman, el oasis de la alta sociedad. Sus sombreros causaron sensación. Era una época en la que llevar el tocado perfecto te abría la puerta adecuada. Y allí llegaría, a finales del año 1960, un pedido muy especial: la futura primera dama, Jacqueline Kennedy, quería un sombrero de Halston para vestirlo en la ceremonia inaugural de la presidencia de su marido. Cuando Jackie Kennedy asistió a la presentación de su esposo como Presidente de los Estados Unidos en enero de 1961, vestía un saco de Oleg Cassini y un sombrero de Halston. La simple y poco ornamentada creación de Halston fue copiada por miles de mujeres alrededor del mundo.
La simplicidad fue la característica de las creaciones de Halston. A mediados de los años 1970 los estilos campesinos y étnicos estaban siendo creados por todos los diseñadores europeos, pero Halston, que odiaba la ornamentación y la calidad tan poco norteamericana de aquellos diseños fue en contra de esta tendencia. En un desfile de modas en 1973 en Versalles, donde diseñadores estadounidenses fueron invitados para presentar sus trabajos al lado de importantes diseñadores franceses, Halston impactó al mundo de la moda por la increíble pureza de sus vestidos. Sweaters de cachemira, vestidos camiseros hasta la cintura, pantalones simples y elegantes, en lugar de «vestidos caprichosos».
El atuendo más conocido de Halston fue el vestido tipo camisa «Ultrasuede» presentado en 1972. Su éxito surgió por la elección que Halston hizo de los colores, el hecho de que el vestido era simple y la conveniencia de que fuera posible lavarlo en lavadora.
Por esos años Halston se enamoró de un decorador de interiores venezolano llamado Víctor Hugo. Por Hugo conoció y se hizo amigo de su contraparte perfecta en el mundo del arte, Andy Warhol.
Hacia finales de los años 1970, Halston no era conocido sólo por sus diseños, sino también por su participación en la vida nocturna de Nueva York. Era una de las caras de la discoteca neoyorquina Studio 54. Uno de los más famosos eventos en la historia del 54 fue la fiesta de cumpleaños que Halston ofreció para Bianca Jagger en 1977, el motivo principal: el blanco.
Vistió y fue amigo de algunas de las mujeres más glamurosas del mundo. Jackie Kennedy, Elizabeth Taylor, Babe Paley, Silvana Mangano, Lauren Bacall, Martha Graham, Bianca Jagger y Liza Minnelli.
Su amigo, el productor Lester Persky, decía que “Halston y Nueva York se gustaron el primer día, porque él era la quinta esencia de lo americano; aquel larguirucho descubriendo todo lo que la gran ciudad podía ofrecerle”
En 1976, su agitada vida nocturna le obligó a vender su propia marca a la compañía Revlon.
Roy Halston falleció a los 57 años el 26 de marzo de 1990) víctima del sida en un hospital de San Francisco (California).
La salud de los colores
«Se ha dicho que ejercí una gran influencia sobre la época y que inspiré a toda mi generación. No me atrevo a pretender que esto sea cierto y me siento extremadamente modesto, sin embargo, si acudo a mis recuerdos, me veo forzado a reconocer que, cuando comencé a hacer lo que quería en la costura, no existían colores en la paleta de los tintoreros.
El gusto por el refinamiento del siglo XVIII había conducido a las mujeres a la decadencia, y con el pretexto de la distinción se había suprimido toda vitalidad. Los matices «cuisse de nymphe», los lilas, los malvas desmayados, los hortensias azul suave, los nilos, los maíz, los paja, y todo lo que era suave, desteñido y soso estaba de moda.
Le eché unos cuantos lobos a toda esta poesía pastoril: los rojos, los verdes, los violetas y el azul rey hicieron cantar a todo el resto. Fue necesario despertar a los fabricantes de Lyon, que tienen el estómago un poco pesado, y poner alguna alegría, algún frescor nuevo en sus coloridos. Hubo crepés de China naranja y limón, en los que ni se hubieran atrevido a pensar. En cambio, se dio de lado a los malvas mórbidos; la gama de los tonos pastel fue una nueva aurora. Arrastré al grupo de los coloristas abordando todos los colores por la cima y devolví la salud a los matices extenuados. Me veo obligado a atribuirme este mérito y a reconocer también que desde que he dejado de estimular a los colores, éstos han caido nuevamente en la neurastenia y la anemia.»
Paul Poiret
Vistiendo la época
Hace lo que quiere.
Cristobal Balenciaga, 1965. Museo Balenciaga Getaria
«Con las telas, hacemos lo que podemos. Balenciaga hace lo que quiere»
Christian Dior.
Vestirse de eternidad
LII
Ver lo pequeño es clarividencia
Conservarse débil es fortaleza
Usar la luz para volver a la claridad
y proteger el cuerpo de todo daño,
es vestirse de eternidad.
Tao Te King
Adolf Gayne de Meyer-Watson
Norine y Magritte. Moda y Surrealismo.
La historia de la moda de vanguardia belga comienza con Norine como representante del movimiento modernista en la moda.
Norine fue dirigido por una pareja carismática : el intelectual Paul-Gustave Van Hecke, que se convirtió en mecenas del arte de R. Magritte y la couturière Honorine Deschrijver «Norine” . Juntos reunían en su casa privada, en sus galerías de arte y en sus salones de alta costura a los más destacados artistas contemporáneos nacionales e internacionales.
Establecieron su negocio de alta costura durante la Primera Guerra Mundial.
Por primera vez, una casa de alta costura belga creaba sus propios diseños en lugar de comprarlos en París, y ofrecía una alternativa local atractiva y muy original . Después de la guerra , se convirtieron en una de las casas de moda más importantes del país. Sus diseños vanguardistas trascendieron audazmente la modesta convencionalidad de Bélgica y atrajeron a la intelectualidad artística.
En 1924 René Magritte comenzó a diseñar carteles y anuncios para Norine y en 1927 se hizo cargo de la concepción de un catalogo de abrigos de piel, que el artista belga presenta en ese clima de misterio tan característico.
Jeanne Lanvin
Silenciosa, infatigable y humilde, la parisina Jeanne Lanvin nace en 1867 y su historia se parece a un cuento de hadas.
Inicialmente dedicada al adorno de sombreros, establece su casa en 1885 y crea para su hija Marie-Blanche un guardarropas tan seductor que rápidamente las clientas se fijan en ella.
Por su maison de la Rue du Faubourg-Saint-Honoré, decorada y ambientada en 1920 por Armand-Albert Rateau pasará una basta clientela de grandes damas burguesas y los mas importantes apellidos de Europa. Para ellas Jeanne creará un estilo original, de una elegancia clásica, exenta de revoluciones vistosas, acorde a la sensibilidad de la época. Un excepcional refinamiento de motivos entrelazados de pasamanerías, bordados de gran virtuosismo y su especialidad: adornos florales de perlas.
Desde 1923, el imperio Lanvin incluye en sus talleres una fabrica de tintes, en la que se elaboran aquellos hábiles colores, sutiles y singulares que darán reputación a la “paleta Lanvin”.
Hacia 1925, la casa Lanvin cuenta con más de 800 trabajadoras, repartidas en 23 talleres y otras tantas empleadas de las secciones del hecho a medida, ropa deportiva, lencería, peletería y hasta ropa masculina.
Durante la memorable Exposición Universal de Artes Decorativas de 1925, Jeanne oficiará de vicepresidenta del Pabellón de la Elegancia, y allí lanza su primer perfume: My Sin, al que seguirá en 1927 Arpege, cuyo frasco diseñado por el mismo Rateau lleva el logotipo diseñado por Paul Iribe sobre una fotografía de 1917 de Jeanne y su hija.
Hasta su muerte en 1946 a la edad de 79 años, Jeanne condujo su oficio al mas alto grado de perfección.
Su hija Marie-Blanche, virtuosa del piano, que supo inspirar el nombre del perfume fetiche de la casa, convertida en la Condesa de Polignac asumirá la dirección de la empresa en 1950.
Buen Vestir 